L’avis de Rofraitryat

Certains films vous donnent envie de reprendre votre clavier un instant pour faire partager votre émerveillement. Moonrise Kingdom, de Wes Anderson, est l’un de ceux là.

On commence par passer en revue les deux univers qui vont ensuite se rassembler au sein du jeune couple.
Avec de longs travellings, on traverse les couloirs, les pièces et les étages de la maison de Suzy découvrant des morceaux de vie à chaque passage. Toujours avec les mêmes mouvements de caméras, on fait le tour du camp scout au large de la Nouvelle Angleterre, chaque enfant à son poste réalisant sa mission dans un ordre quasi militaire. Tentes alignées symétriquement, organisation stricte au son de la trompette, malgré ça, le camp respire l’enfance, avec les expériences, les bobos, les rivalités, les couleurs, la camaraderie.

C’est donc la rencontre entre Suzy et Sam, deux jeunes de douze ans, qui va faire converger l’ensemble de leur deux mondes. Du chef scout campé par Edward Norton, aux parents de Suzy en passant par le Capitaine Sharp (Bruce Willis avec des cheveux en plus et des neurones en moins), toute la petite île est réquisitionné, d’autant plus que la tempête arrive…

Wes Anderson réalise un brouillage des frontières entre les enfants et les adultes. Les deux mômes de 12 ans sont sur d’eux, amoureux, organisés, et connaisseurs. À l’inverse, on se retrouve face à des parents désabusés qui ne savent pas où ils vont, des caprices, un chef scout dépassé et un flic perdu.

Le film arrive à conserver un second degrés à tous les instants; autant dans les sujets légers sur les enfantillages, que les thèmes graves sur les orphelins et les propositions de la l’action sociale des années 60 pour ces pupilles de la nation, abordé sans empathie. Que ce soit dans les dialogues ciselés, tantôt grinçants ou insensé, les décors en carton pâte colorés, ou encore dans les interludes introductifs d’un étrange habitant de l’île, tout est maîtrisé par le réalisateur qui nous offre un spectacle haletant et singulier.

Bref, on ne décroche ni les yeux, ni l’esprit de l’histoire simple et belle, pleine de fraîcheur, relevée par des dialogues précis et percutants, des acteurs de génie et une esthétique singulière. Moonrise Kingdom décroche la lune et ses cinq étoiles bien méritées.

                          

L’avis de Rofraitryat

Alain Chabat est de retour. Alors oui j’avais bien envie d’aller voir ce que ça donne, non pas que la bande d’annonce m’ai transcendé, mais plutôt en souvenir du bon temps. En souvenir d’Astérix mission Cléopâtre vu des dizaines de fois et dont chaque nouveau visionnage apporte son lot de découvertes, son niveau de lecture supplémentaire. En souvenir aussi de RRRrrrrh, dont l’ampleur  de l’échec au cinéma est comparable à l’ampleur du potentiel du film. Du second degré (voir même du 3^ème degré) à revendre, des répliques légendaires, du grand n’importe quoi comme Alain Chabat maitrise la recette. Ces deux films sont cultes, « Sur la Piste du Marsupilami » ne l’est pas.

Alain Chabat s’empare donc encore d’un personnage de bande dessinée, mainte fois adapté en dessin animé, pour en faire une comédie, en chaire et en os, au cinéma (jusque là, pas trop de risque, ça a fonctionné du tonnerre il y a quelques années !).

Il reprend les mêmes, Jamel Debbouzze, lui même, Fred (bon sa scène avait été coupé dans Mission Cléopatre, il devait surement lui être redevable !). Il rajoute quelques nouveaux, Géraldine Nakache, Lambert Wilson, Patrick Timsit…

En comparant un peu les films, c’est fou comme l’affiche des deux est similaire…

Bref, on l’a compris, et contrairement à ce qu’il avait fait avec Rrrrrrh, Chabat ne veut pas se mouiller,  ni prendre des risques, mais refaire gagner la même équipe. Petit oubli tout de même, c’est plus difficile de faire rire deux fois avec exactement les mêmes gags… Certains me diront, « Non mais tout ça c’est des références à Mission Cléopâtre, inculte ! », oui mais à ce moment là, fallait faire Mission Cléopâtre 2, ça aurait été plus clair.

Alain Chabat peine à s’approprier l’histoire, il reprend ce qui a été fait dans les dessins animés mais a du mal à imposer sa patte, pourtant si souvent géniale. Bien sur, il y a des moments drôles, quelqu’un seulement pour moi, beaucoup beaucoup selon la rangée derrière moi. Il y a véritablement un seul gros délire, qui m’a fait beaucoup rire et qui fonctionne parfaitement tant il détonne avec le reste du film et de l’histoire, merci Céline. Et puis aussi quelques bonnes trouvailles comme ce mini film d’animation paya.

Mais entre ces quelques délires (quand même !), pas grand chose nous retient en Palombie, on trouve vite le temps long en attendant les répliques qui claquent dont on a l’habitude. Quelques tentatives tombent à l’eau, le scénario n’ayant pas la qualité extraordinaire dont on avait l’habitude, regorgeant de petites pépites, faisant rire autant l’enfant de 4 ans que le mec de 40.

Bref, on sort plutôt amusé car le générique final laisse sur une bonne note, mais vite, la déception nous hante, aucune réplique à ressortir à tes potes, aucune envie d’aller le revoir pour trouver encore un nouvel axe de lecture, un jeu de mot oublié ou juste une envie de s’écrouler de rire… La quête du rire et du renouvellement semble plus difficile que celle du Marsupilami, dommage.

                          

L’avis de Rofraitryat

Bullhead n’est pas un polar comme les autres, c’est un polar Belge.

Sans vouloir faire de stigmatisation nationale, la « belgium touch » est présente du début à la fin. Celle ci est assumée et se retrouve autant dans la forme jamais totalement sérieuse que dans fond. Seuls les belges (parfois les canadiens, c’est vrai), savent créer des personnages, avec des gueules et des dialogues comme ceux de Bullhead. Seuls eux savent mêler à un polar noir sur le trafic d’hormones, des personnages loufoques, décalés et vraiment drôles. Rien à voir avec l’austérité, la noirceur, et la mono-ambiance dont on à l’habitude dans les thriller, ici on passe de la quête policière, au rire gras sans que cela choque. La question de la frontière de la langue est aussi abordée, on passe du flamand au français, entre incompréhension, barrière culturelle et accent et expressions si particulières. Tous les personnages ont de vraies gueules, pas dans les canons de beautés liftés, mais celles dont on se rappelle, dont on sourie au premier regard et dont le charme passe souvent par l’empathie plutôt que par la subjugation. Certaines rappellent celles croquées par Riad Sattouf dans ses bandes dessinées.

Après une expérience traumatisante durant ca jeunesse (qui a fait frémir tous les hommes présents dans la salle, même celui bien musclé à côté de moi a baissé la tête de douleur…) le personnage principal souffre d’une carence naturelle de masculinité. Piqué à la testostérone et dopé aux hormones pour bœufs, avec la carrure de ses animaux, son apparence bestiale est accentuée par les contres plongées rapprochées de la caméra. Ce rapprochement entre les bêtes et les Hommes au cœur du film peut mettre mal à l’aise mais fait la spécificité et une partie de l’intérêt du scénario et de cette mise en scène si particulière.

Bullhead manie avec agilité plusieurs styles. Sur un fond sombre de trafic et de meurtre, on s’attarde sur l’histoire d’un Homme par des flashbacks et sur les conséquences d’une souffrance durant sa jeunesse. Autour de ce triste spectacle gravite des seconds rôles, drôles, fous, ou touchants, ils donnent au film une saveur originale et agréable. La performance des acteurs, l’attention portée sur les relations entre tous les personnages, et des plans géniaux finiront par vous convaincre de la qualité du film.

                          

L’avis de Karibou

Je suis heureux. Plus besoin d’attendre fin Décembre 2012 (rajouter une blague sur les Mayas ici) pour savoir mon film de l’année. C’est plaisant de savoir qu’en Mars je l’ai déjà trouvé et que les mois suivants vont être tranquilles. Pendant que j’y suis, je décide arbitrairement que Prometheus sera mon second film de l’année.

Tout aussi sérieusement, The Grey (Le territoire des loups en VO) est un véritable coup de coeur. Vous savez, ce genre d’oeuvre qui vous laisse muet pendant le générique de fin. Ou des images vous reviennent en tête pendant les jours suivants.Pourtant, quand on m’a vendu le film, je ne m’attendais pas à ça. On m’avait dit que c’était très proche d’un Predator. Donc j’étais déjà très impatient de voir ça. A savoir, si vous voulez que je regarde un film, dites qu’il ressemble à Predator / Alien, vous êtes sûr que 24H plus tard je vous en reparlerai.

The Grey nous emmène au fin fond de l’Alaska ou un groupe de foreurs rentrent d’une mission, accompagné par un chasseur (Superbe Liam Neeson). Malheureusement pour eux leur avion se crashe au milieu de nulle part et pour couronner le tout en plein milieu du territoire de chasse d’une meute de loups. Devant retrouver la civilisation, ils vont devoir faire face au froid, à la faim et échapper à leurs prédateurs.

La plus grande force de The Grey n’est pas son coté survival stricto sensu. Oui, ils faut qu’ils survivent au froid et à leurs blessures, mais The Grey c’est d’abord une grande allégorie. Difficile d’en dire plus sans spoiler, alors je vais parler d’autres facettes du film et après je spoilerai (je suis cool, hein?).

Niveau réalisation, je n’est jamais été un grand fan de Carnahan. Narc et Smokin’ Aces étaient bof malgré une belle photo et L’Agence tout Risques était fun mais ils ne m’avaient jamais donné un grand coup de pied dans le ventre pour que j’ai le souffle coupé et que je me dise: OUAH PUTAIN!

Avec Le Territoire des Loups on ne m’a pas donné juste un grand coup de pied. On m’a battu à mort, on m’a vendu pour un paquet de cigarette et tatoué une larme sur la joue. Oui, je suis devenu la petite biatch de Carnahan. L’enchainement des plans à toujours du sens, la géographie des personnages est respecté, l’inventivité donne plus de punch à des scènes vues et revues (qu’on me balance un métrage qui filme un crash d’avion de cette manière) et surtout, la photo est à tomber par terre. Tu vas avoir froid, spectateur, et tu vas fondre devant les plans grand angle des forets inviolées de l’Alaska.

Et c’est à ce moment ou je spoile. Va voir le film et reviens quand c’est fait.

Allégorie, donc. The Grey c’est d’abord un film sur le deuil et comment ne pas abandonner la vie. Quiconque a déjà perdu une personne aimée se retrouvera dans le personnage de John Ottway. Comment continuer? Comment faire face à la douleur? Tout le film est à propos de ça. Tout le film s’imbrique peu à peu pour donner des réponses. Les loups sont moins des animaux qu’une métaphore de la mort, de l’abandon de soi. Quand on suit les personnages c’est ce qui frappe en premier. Liam Neeson est le seul personnage à vouloir en finir (il veut se suicider au début du film) pourtant il se retrouve peu à peu à être le leader de ces hommes qui ont tous quelque chose ou quelqu’un pour qui vivre. Rarement une dernière scène aura une symbolique aussi forte. D’abord sur les porte-feuilles des morts ou il découvrent leurs familles et leurs femmes, puis sur l’apparition du loup Alpha. Une énorme masse noir. La mort elle-même.

Parce que The Grey nous dit en substance de ne pas abandonner. Que le plus beau cadeau qu’on puisse faire à nos proches décédés c’est de vivre et de continuer.

Once more into the fray
Into the last good fight I’ll ever know
Live and die on this day
Live and die on this day

Regarder la mort en face, prendre les armes et se battre.

Merci John Carnahan.

                          

L’avis de Rofraitryat

Martha Marcy May Marlene, quatre noms pour une fille et une multitude d’identité.

Pendant tout le film on est balancé entre ses deux mondes. Celui durant lequel elle vivait dans cette secte, avec ses rites, son fonctionnement, son entourage ; et le monde actuel, recueilli par sa sœur et son beau frère dans une leur grande maison, quasi vide, prêt d’un lac. Les deux mondes s’opposent souvent ; la proximité extrême des membres dans l’un contre l’immensité froide de l’autre. L’esprit de communauté poussée à son extrême contre l’individualisme libéral ou encore la proximité de la nature contre le confort matériel.
Martha est passé physiquement de l’un à l’autre, mais le choc est tel qu’il semble difficile de vivre entièrement dans ce nouveau. Tout au long du film on passe de l’un à l’autre pourtant presque naturellement. Les transitions sont parfaitement réfléchies pour nous plonger subtilement et alternativement dans ces deux mondes qui perturbent Martha. Mais ce ne sont pas vraiment des flashbacks, ces passages d’un monde à l’autre ont de vraies répercussions sur la nouvelle vie de Martha. Les frontières sont floues, les mondes s’entrechoquent, interagissent les uns sur les autres, entrent en confrontation. Le souvenir de la secte affecte sa vie nouvelle à telle point que ces deux mondes opposés se confrontent sur le même terrain, pour la domination psychologique de Martha.

Ce rythme très particulier fonctionne parfaitement. On est vite happé dans ces deux univers et perturbé par ces traversées dont les liaisons se brouillent. Comme Martha, on ne maitrise plus les interactions entre les deux.
Cette forme cadencée originale convient parfaitement au fond avec ce choc entre la réalité physique et la construction physiologique induite par la secte.
Pour parfaire le tout, le jeu de l’actrice principale est vraiment crédible et la couleur, le flou et la saturation même de la pellicule participent à cette immersion.

En évitant les écueils stéréotypés qui entourent les sectes, le film se concentre sur leur impact psychologique en développant une rythmique particulière qui donne au film sa qualité et sa force.

                          

L’avis de Rofraitryat

On ne change pas une équipe qui gagne.
Voilà ce qu’a du se dire le scénariste de Chronicle avant de faire le film. On a une recette qui marche, depuis des années et des années, sur tous les supports, BD, mangas, livres, films, tout le monde y a déjà goutté, aux quatre coins de la planète et beaucoup ont aimé, pourquoi je m’en priverais ? Oui, c’est l’histoire d’une bande d’ado qui développe des supers pouvoirs, notamment la psychokinésie, après être entré en contact avec une sorte de grosse pierre magique translucide qui change de couleur.

A partir de là, il va falloir trouver des concepts un peu novateurs pour mériter les petites étoiles qui sont au dessus. Le premier est la manière de filmer. Tout le long du métrage, l’image est issue d’une caméra qui fait vraiment partie de l’environnement dans lequel évolue les personnages. Que se soit un des ados de la bande qui ne se déplace jamais sans sa caméra pour filmer toute sa vie, ou bien des caméras de surveillance; toutes les images sont prises de l’intérieur et permettent de rentrer littéralement dans leur monde et non pas de contempler simplement de loin ce qui se passe. L’immersion est d’autant plus réussie, que les réalisateurs ont vraiment cherché à montrer tout ce qu’une bande de potes, juste majeure pouvait faire quand ils découvrent qu’ils peuvent déplacer des objets par la pensée. Non, ils ne vont pas sauver la planète (ou la détruire) tout de suite, mais on va d’abord s’amuser à faire des blagues, draguer les filles, faire des spectacles hallucinants mais pas trop pour ne pas tout dévoiler… Et ça fonctionne ! On est avec eux, dans les couloirs de l’université, se demandant ce qu’on va bien pouvoir réaliser de génial et qu’on a toujours rêver de faire sans succès…

Bon, bien sur, vous vous en serait douté , y’en a toujours un pour aller un peu trop loin avec ses pouvoirs et provoquer des catastrophes en séries… On retombe vraiment dans le schéma classique avec des images de lutte dans les airs, la nuit à Seattle, tous les projecteurs des hélicos braqué dessus… Du coup, le film perd un peu de sa saveur et on un peu déçu en sortant qu’il se soit laissé aller à la facilité alors qu’il aurait du garder quelques concepts originaux pour la fin…

Le film est efficace, plaisant à regarder, mais sa fin trop conventionnelle nous le fera vite oublier.

                          

L’avis de Mysterarts

Tomas Alfredson nous avait proposé un étrange mais très réussi Morse, dont l’atmosphère dérangeante collée parfaitement à son enfant vampire. Mais forcé de constater que son style fonctionne beaucoup moins avec un scénario de film d’espionnage.

Portant, il pose dès le début un décor qui aurait pu fonctionner. On découvre le Cirque, siège des renseignements britanniques en pleine guerre froide. L’ambiance y est poussiéreuse, étouffante. Au sein du bunker qu’on dirait tapissé à la mode des années 70, les hauts dirigeants décident d’évincer leur boss « Control » (John Hurt) et son bras droit « Smiley » (Gary Oldman). La scène de leur départ est scotchante, d’un calme et d’une retenue glacials.

Parmi ceux qui se sont précipités pour les remplacer à la tête du Cirque, il y a une taupe qui renseigne les soviétiques. Smiley est engagé par le gouvernement pour la percer à jour. L’intrigue est en place, notre boulot en tant que spectateur est fixé : il nous faut découvrir qui elle est avant la révélation finale. On se redresse sur les accoudoirs et on place notre concentration sur ces personnages aux gueules toutes plus suspectes les unes que les autres. Et c’est parti pour deux heures !

Je n’ai pas lu le livre de John Le Carré dont est tiré le scénario. J’imagine que ça peut aider. Car l’enchainement des scènes n’est pas fait pour aider le spectateur. Les flash-back vont dans tous les sens, et il faut sans cesse faire travailler son cerveau exténué par un rythme au ralenti qui en devient pesant. Certes, le décor est minutieusement reconstitué et on se perd facilement à observer les détails et les acteurs qui jouent très finement, rien à redire de ce côté là.

Les films tarabiscotés qui perdent le spectateur, qui le maintiennent sans cesse dans le doute pour mettre en valeur une conclusion fracassante, j’adore. Mais là… La phrase qui vient en sortant de la salle ressemble plutôt à : « Tout ça pour ça ? ». Alfredson a de nombreux atouts pour lui et saura certainement les utiliser plus pertinemment dans un prochain film. En attendant, il n’y a pas que le Cirque qui s’est senti trahi par la Taupe.

                          

L’avis de Rofraitryat

Tout avait pourtant bien commencé,
Dès le début on est plongé dans cette entreprise. Ce patron paternaliste, à la fois proche des ouvriers et pourtant bien loin dans le train de vie. Un monde les séparent mais le travail, la confiance les rassemblent. Cette relation fusionnelle avec son entreprise, ses employés et cette bienveillance est vraiment bien décrite. C’est d’ailleurs, La réussite du film, l’unique, certes.
Daniel Auteuil est bon, il tient parfaitement le rôle, le costard, les poignées de main, l’amour du métier.
La crise sociale qui éclate au sein de l’entreprise est bien traitée. Cette vie dans l’entreprise, les désaccords, les injustices, les incompréhensions, l’occupation, tout ça est traité avec détails, sans caricature. On découvre de vraies personnalités, qui sonnent juste, endurcies par leur vie. Se dégagent des seconds rôles intéressants, bien interprétés.
Mais alors que cette vie d’entreprise est filmé avec brio, le film se perd rapidement lorsqu’il parle d’autre chose. Les représentants du monde la finance (banquiers véreux et riches actionnaires) sont dépeins de manière très caricaturale, sans aucune finesse. Le réalisateur les méprisent (je le comprend) et du coup ne prend pas le temps de les étudier sur le fond, de nuancer comme il faudrait. Toute la justesse qu’on avait trouvé dans l’entreprise, dans ces relations, ces Hommes, cette femme, parfois incompris ; tout cette qualité ne se retrouve plus dans le traitement de l’autre monde. On passe vite, on grossi les traits quite à tomber dans l’excès. C’est vraiment dommage, et ça va s’empirer.

D’un coup, alors que tout avait presque bien commencé, c’est l’effondrement. On se retrouve à Moscou, la qualité de l’image est désastreuse, la mise en scène inexistante. On ne comprend pas pourquoi, mais tout se déconstruit. Alors que le début était juste, humain, saisissant, on tombe dans un mélo-drame surjoué, aux dialogues superficiels, sans finesses, aux scènes prévisibles classiques et sans aucun intérêt. Vraiment, c’est tellement mauvais que ça en devient triste. La scène de la patinoire ou de l’aéroport (je vous raconte même pas ce qui s’y passe tellement c’est banal) et digne d’un mauvais téléfilm de France 3 un soir de semaine. Le charme est parti, on se retrouve con devant un œuvre vidé de sens.
Après quelques tentatives de retrouver une histoire, une mise en scène à peu près convenable, la fin du film nous refait tomber dans les ténèbres du pathétique. C’était manichéen sur les bords dès le début dans la relation avec le monde de la finance, ça finit ridicule, faux, presque gore.

On en ressort secoué, autant par la scène finale que par l’inexplicable dégringolade du film.

                          

Les frères lampe de poche aiment le cinéma, aiment la vidéo, aiment les bandes originales.

Aujourd’hui, on met un coup de projecteur sur un projet, une rencontre entre le monde de la vidéo de Mau’ et celui de la musique d’Hervé Lapalud et Cie.

C’est agréable à l’œil, doux à l’oreille et bon pour le cœur (oui comme les oméga 3).

Pleins de petits épisodes vont se succéder, tous les lundi sur peripheerie.com

On va les accompagner au grès des tournées, des interviews, des voyages entre les villes, entre les scènes. Partager des petits moments de vie sous l’objectif attentif d’un Canon 60D bien maitrisé. C’est agréable, c’est humain, on se sent bien après une petite cure d’épisodes; essayez vous serez conquis.

Et comme ils sont super hype, ils ont une page facebook peripheerie

                          

Merci à tous d’avoir partagés avec nous vos coups de cœur de l’année 2011 ! Voici donc le top des films de nos lecteurs, et vous avez plutôt bons goûts :)

1. Drive

2. Intouchables

3. The Artist

4. Le discours d’un roi

5. La guerre est déclarée

Ont été cités à plusieurs reprises dans vos votes :

- Polisse
- La piel que Habito
- Somewhere
- Minuit à Paris
- Crazy stupid love
- Black Swan

Et maintenant, place à l’année 2012 ! Bonne année ciné à tous !