Merci à tous d’avoir partagés avec nous vos coups de cœur de l’année 2011 ! Voici donc le top des films de nos lecteurs, et vous avez plutôt bons goûts :)

1. Drive

2. Intouchables

3. The Artist

4. Le discours d’un roi

5. La guerre est déclarée

Ont été cités à plusieurs reprises dans vos votes :

- Polisse
- La piel que Habito
- Somewhere
- Minuit à Paris
- Crazy stupid love
- Black Swan

Et maintenant, place à l’année 2012 ! Bonne année ciné à tous !

                          

L’avis de Rofraitryat

Encore un film qui sent l’apocalypse, la grosse tempête ravageuse, quasiment la fin du monde ?! Allons nous vraiment nous coltiner une année entière de reportages ultra intéressants sur des mecs qui déchiffrent les calendriers Mayas et ceux qui creusent des tranchées et des abris dans leur jardin… J’en ai bien peur. Mais ce premier film de l’année 2012, certes angoissant, évite bien ces écueils et nous livre un spectacle de haute voltige.

On est emmené dans la famille Laforche, avec un père sombrant peu à peu dans la paranoïa autour d’un possible cataclysme météorologique après des rêves quelques peu agités. Une mère qui s’en trouve angoissée, et une petite fille, sourde et muette, dont le calme et le silence pèse dans l’atmosphère familiale.
Le film est d’abord rythmé par les rêves vraiment angoissants du père dont les impacts perturbent aussi la réalité. Ce pressentiment hante peu à peu entièrement cet homme, affectant ainsi sa famille, son travail, ses occupations, ses priorités et jusqu’à sa santé mentale. On est totalement happé dans cet engrenage schizophrénique.

Le film prend son temps et c’est assez rare pour être souligné. On observe Curtis, observer lui même le ciel, scruter le mouvement des oiseaux, ou celui des nuages. A force d’imaginer cette tempête, à force d’en trouver des signes ou des anticipations, elle va peu à peu se créer dans sa tête. On finit par ne plus savoir qui ou quoi croire. On veut s’accrocher à son entourage qui semble plus sain d’esprit que ce père sombrant dans la folie, mais on s’attache tout de même à lui, on ne veut pas s’opposer et fermer les yeux sur ses visions, à tort ou à raison.
La mise en scène est vraiment bien maitrisé, et arrive à nous communiquer les sentiments des personnages tout en permettant de scruter cet environnement qui ne peut empêcher d’inquiéter.

Bref, un film calme, prenant, parfois vraiment angoissant et finalement magistral.

                          

L’avis de Rofraitryat

A Dangerous Method, veut bien faire, il veut nous plonger dans le monde nouveau (à l’époque) et plutôt déconcertant de la psychanalyse. David Cronenberg, aaah David, la cafetière et les escaliers de History of Violence resteront toujours gravés en moi… Quelle bonne idée de venir titiller se pant encore mystérieux de la science et de l’Homme, on l’effleure plus ou moins tous dans une salle de classe de philo, on s’intéresse plus ou moins à Freud, ses expériences, sa révolution. Il y’a tout pour faire un bon scénario, des malades mentaux, un hôpital psychiatrique, une nouvelle méthode de soin… Et en prime cela pourra nous faire réviser nos classiques, (re)découvrir Carl Jung, et les avancées en la matière de l’époque.

Pour nous faire voyager dans le temps et dans nos pensées tu as fait appel à Michaël Fassbender. Ce dernier semble avoir plus de succès dans le film Shame et dans ses critiques qu’affublé de sa moustache dans notre cas. Bref, je n’ai pas grand chose à lui reprocher (même la moustache revient à la mode !). Pour la cobaye, l’internée psychiatrique, nous voilà en compagnie Keira Knightley. Mais là, ça ne fonctionne pas. J’ai essayé d’y croire pourtant, et on sent qu’elle essaye d’y croire aussi (sacré contraction musculaire), mais les crises de folies sonnent faux à mon gout. La simple déformation d’un visage parfaitement maquillée, sans aucune imperfections n’a pas suffit à me convaincre…

Tout comme le visage de Keira, le film souffre du « syndrome du discours d’un roi ». Je m’explique ; à vouloir trop bien faire, à vouloir faire beau bien reconstitué, à vouloir provoquer une performance d’acteur pour choper des Oscars, à vouloir nous tirer les larmes des yeux en nous suppliant de croire à ce que l’on voit, à tout rendre rond et réaliste alors que ça ne l’est pas, à tout vouloir contrôler et maitriser, on finit par devenir lisse. Et ce film en souffre un peu, tout semble aseptisé.

Du coup, on sort pas convaincu, pas transporté, en ayant appris quelques petites choses historico-psychologique, mais bien loin de ce que l’on pouvait attendre d’une immersion dans la méthode Freudienne.

                          

Il y a un moment pour enchainer les films, dévorer du cinéma, envahir les salles obscures… Et puis il y a un moment où il est temps de fermer les yeux quelques instants et de se remémorer les trouvailles de l’année, les mauvaises surprises mais surtout les coups de cœur. Et tiens, si vous choisissiez ce moment précis pour exercer votre mémoire et en sortir les 3 films qui pour vous, ont marqué l’année 2011 ?

Pour aider votre cerveau endolori par le froid, il y a bien sûr les avis des Frères Lampe de Poche, ainsi que le gigantesque TOP 2011 d’Allociné et la liste exhaustive des films de l’année.

Ce top nous tient très à cœur car c’est l’occasion de confronter nos avis à tous et de découvrir vos goûts ! Merci d’avance à ceux qui prendront le temps d’y réfléchir et encore mieux d’y répondre, vous avez jusqu’au 15 Janvier :) Vous allez me dire : « oui, mais comment je fais ? », et bien c’est très simple, remplissez ci-dessous le premier film, cliquez sur Next, puis le second et le troisième et validez (le nom et l’adresse sont facultatifs). A bientôt pour les résultats et bonnes fêtes dans les chaumières !

                          

L’avis de Rofraitryat

Cette fois ci Polanski nous enferme entre quatre murs dorés, dans un bel appartement de Manhattan dont on ne sortira pas indemne. Inspiré d’une pièce de théâtre, Polanski va en garder tous les codes, toutes ses limites physiques et temporelles propres à cet art pour nous les retranscrire dans le sien.

Notre passage dans ce petit monde va se faire aux cotés de Jodie Foster, Kate Winslet, Critstoph Watlz et John C. Reilly. On ne vas pas les lâcher, on va rester enfermé avec eux, impossible de sortir malgré les nombreuses tentatives, 1h20 en leur compagnie, découvrant petit à petit des traits de caractères, des vieilles rancoeurs, des points de vue divergents et d’innombrables différences. Cette rencontre nous met au même niveau qu’eux, ils ne se connaissent pas, vont apprendre à se découvrir et surtout à se détester, que le carnage commence !

Comme dans les pièces de théâtre, ce film est une vrai performance d’acteurs. Pour moi, aucun ne dénote dans sa qualité de jeu, tous sont aussi crédibles et insupportables. Mais, il est vrai que c’est avec l’espoir de retrouver le jeu d’acteur qu’on avait délecté dans Inglorious Basterds, que j’attendais avec impatience la prestation de Cristoph Waltz sous la direction d’un aussi talentueux metteur en scène. Et il ne pouvait être qu’à l’aise dans un rôle pareil. Hautain, avocat du diable, insupportablement over-booké, et cherchant toujours à imposer son point de vue. Presqu’aussi vicieux qu’en nazi, il arrive, en un sourire, un coup de téléphone ou une réflexion à ébranler tout le monde qui l’entoure, tout en restant, lui, presque toujours calme.

Les rapports de force ne cessent de se modifier. Attaque, contre attaque, esquive et coup dans le dos s’enchainent, montent en puissance jusqu’au carnage, au pétage de câble final. Dans cette véritable guerre psychologique, les alliances ne sont pas stables, les équipes se modifient tour à tour. Le classique couple contre couple éclate rapidement, les hommes contre les femmes, tous contre un, toutes les stratégies sont passées en revue, abandonnant pour quelques minutes les insultes passées, de nouvelles équipes se liguent contre les autres. Tout vol en éclat, dans ce huit clos, entre ces quatre murs que l’on ne dépasse jamais, la bienséance du début laisse place au chaos, fait resurgir de vieilles querelles, se croisent sourires faux culs, regards tueurs, phrases assassines, gestes furtifs, toujours entrecoupés des insupportables coups de téléphone d’Alan Cowan.

Ce désordre en forme de crescendo est loin d’être linéaire pour autant. Se rencontre alors une mise en scène contrôlée à la perfection, des acteurs de haute voltige et une instabilité croissante du scénario. Le tout formant un magnifique carnage qu’il nous reste plus qu’à savourer.

                          

L’avis de Typicmint

Marcel Marx est un cireur de chaussures qui manie la langue française comme son chiffon, d’une dextérité d’un autre temps. Son épouse Arletty l’attend pour son repas dans un intérieur désuet et minimaliste, mesurant chaque mot. Dans leur quartier, le bistrot, la boulangerie et l’épicerie sont aussi épiques que les havrais du cru ont des gueules touchantes d’anges déchus. Jusqu’à l’irruption d’un petit garçon immigré clandestin qui vient perturber la triangulation quotidienne et résignée de Marcel. Quand Arletty tombe malade, la rencontre entre Marcel et le garçon devient possible.

C’est une plongée dans une réalité qu’Aki Kaurismäki déforme à outrance pour mieux le révéler : un décor stylisé et coloré aux peintures rafraichies, des accessoires bichonnés, des références multiples et esthétiques (la scène bruyante du café est un hommage évident à Jacques Tati). Le fil d’Ariane, c’est le flic désabusé joué par Jean Pierre Daroussin qui fait avancer l’histoire par chapitre, et chaque entrevue avec Marcel (André Wilms, d’un jeu au cordeau) en est l’ouverture. Et c’est sans oublier Arletty (Kati Outinen, actrice fétiche d’Aki, celle d’une première rencontre avec « La fille aux allumettes ») à l’accent charmeur dans la langue de Molière qui détache définitivement l’action de toute réalité. La bonté et la solidarité sont un leitmotiv, sans mièvrerie, sans apitoiement, jusqu’à faire revivre dans le scénario le rocker 70′s Little Bob sur scène avec bonheur, et cette double perspective d’Aki (le scénario et la réalité d’avoir Little Bob au générique) est aussi la marque de sa propre générosité.

Le ton particulier du conte est donné : car il s’agit bien de cela, d’un conte. Tout y participe, rien n’est dramatique ni larmoyant, ni la maladie d’Arletty, ni les conditions de vie des immigrés. Tout peut y être dit, tout peut arriver, et tout est permis. Les grands naïfs servent la cause de l’histoire sans larme ni complaisance coupable. Aki Kaurismäki signe un manifeste de dignité avec l’humour distancié qu’on lui connait. Dixit Franck P. : Brillant !

Sortie nationale le 21 décembre 2011.

                          

L’avis de Rofraitryat

Luc Besson qui réalise un film sur Aung San Suu Kyi, on se dit ça va être un peu comme Dany Boon qui fait un docu sur le Dalaï Lama, on sent que ça va être lourd et pompeux, bien loin de la nature même du personnage… Et bah on ne se trompe pas.

Dès le début, et comme tout bon Besson qui se respecte il ne doit pas abandonner ses bonnes vieilles recettes. Là, pas facile de faire déraper une grosse BMW noire, du coup on va utiliser les jeep des militaires pour faire pareil, pas con le mec ! Et puis un chinois super venèr qui tire partout et qui te regarde avec un regard de tueur ça aussi ça claque ! Ah oui, il faut le faire chialer le public aussi ; tiens un piano, tiens la photo de mon père martyr, mixons vite les deux pour essayer de faire quelque chose d’émouvant ! Luc Besson pleure à la fin à chaque fois qu’il le voit selon ses dires ; dommage, pas moi.

Luc Besson aurait tourné les repérages du film avec une chemise à fleur et un gros appareil photo pour se faire passer pour un touriste; mais serait-ce devenu un vrai grand reporteur, prêt à braver la junte pour tourner un reportage intime ? Oui (ça c’est pour la promo), bon après faut pas déconner non plus, faut tourner les scènes avec 5000 figurants sans être trop gêné par les petits rigolos toujours au pouvoir…

Non mais sinon, la bonne idée c’est d’avoir pris une histoire réelle, toujours actuelle, universellement respectable et respectée. Une femme, une démocratie, du courage, de l’audace, une lutte, un prix Nobel de la Paix… Impossible de critiquer le sujet, ou même la belle volonté de mettre en avant une opposante qu’il ne fait pas volonté. Mais le film colle-t-il à la pudeur de cette femme qui n’a jamais voulu se mettre en avant ni même prendre le pouvoir personnellement ?
Le film est un peu trop grand spectacle. Manque d’intimité, on n’y croit plus trop. Manque de retenue, de pudeur peut-être.

Oui j’ai mis un peu de mauvaise foi dans cette critique parce qu’on passe pas un mauvais moment et l’intention est vraiment louable. Les décors sont beaux, c’est sûr, (manquerait plus que ça soit moche et mal fait !). Mais j’m'en fous, j’ai l’intime conviction que la dimension du film ne convient pas.
Tu en fais trop Luc, beaucoup trop.

Sinon, un petit web-documentaire, passionnant, ludique, marrant, sur la terrible et folle dictature de Birmanie, c’est ici :
http://www.lemonde.fr/week-end/visuel/2011/06/17/birmanie-la-dictature-de-l-absurde_1537284_1477893.html

                          

L’avis de Typicmint

La folie Almayer est l’œuvre originale de Joseph Conrad de la toute fin du XIX° siècle mettant en scène un jeune négociant hollandais, marié sans amour pour exploiter des terres aurifères en dote. La ruine financière menace de jour en jour et il doit rapidement placer sa fille chérie dans un pensionnat loin de la maison familiale.

Pour cette adaptation, le parti pris de Chantal Akerman est de couper l’histoire du contexte original, colonialiste et empreint de culpabilité, pour ne s’attacher qu’au personnage de Kaspar Almayer, sa désespérance et sa lente dérive vers la folie. C’est une plongée dans les éléments naturels, l’éloignement et les tempêtes, qui renforcent le sentiment d’impuissance de cet homme à distribuer le bonheur à ceux qu’il aime. Ainsi, l’alchimie de la pellicule transforme l’œuvre originale en de splendides tableaux aussi photogéniques que picturaux. Techniquement, le récit se détache de la linéarité et de la vraisemblance : il se construit sur des discours en décalage avec l’image, sur des prises d’une fixité hallucinante. Les plans séquences sont appuyés, précis, voire d’une imperceptible mobilité (la première et la scène finale en sont sidérantes). Et le tout fonctionne, porté par un Stanilas Merhar inspiré, utilisant la moiteur de l’ambiance (le Cambodge pour le lieu de tournage) comme un accessoire, jouissant d’une grande liberté de jeu laissée par la cinéaste.

Cependant, là où l’action aurait pu facilement se situer dans les années cinquante ou soixante par les décors, la bande son, le contexte de la pension, les dialogues, la vision moderne de la ville déstabilise quelque peu, une sorte de grand écart trop abrupt. De plus, tendre l’oreille pour entendre les dialogues est un brin inconfortable.

Il reste cependant un plaisir immense et un film tendu, esthétique, maîtrisé. Il est des plans qui sont des natures mortes sombres où l’œil voit le mouvement dans la superposition de couches de peinture. Et il est aussi possible d’être surpris, y compris au vrai sens du terme, comme le spectateur à côté de moi sursautant et réagissant par la voix à une saute d’humeur d’Almayer. Chantal Akerman nous fait goûter à l’immensité impénétrable du décor pour nous y immerger avec plaisir et réussite. C’est du beau cinéma, sans aucun doute.

Sortie nationale le 25 janvier 2012.

                          

L’avis de Typicmint

Michel (Jean Pierre Daroussin) syndicaliste militant perd son travail en se sacrifiant pour un autre, Marie-Claire (Ariane Ascaride) aide à domicile une personne âgée. Malgré les aléas, ils sont heureux de leur vie avec enfants, petits enfants et amis présents pour leur fête de mariage. Et la vie est là, simple et tranquille, rien ne change. Et c’est une atmosphère bon enfant, à la Pagnol, qui soudain se retourne : deux agresseurs surgissent, dérobant billets et cartes bancaires. On ne vole pourtant qu’aux riches. Tout a changé.

Robert Guédiguian renoue ici avec ses acteurs fétiches dans le cadre prolétaire de l’Estaque. Mais pas seulement, car il bouleverse tout, avec un don et un tour de manivelle expert : il fait voler en éclats les certitudes de chacun. Ses héros, proches de la retraite, d’un modèle social enviable, des pairs parmi les pairs, se font renverser (au propre comme au figuré) par ceux du même bord et qui leur renvoient leurs minables renoncements et leur petite bourgeoisie. C’est le temps qui passe, quand chacun a négocié avec la vie et a fait des concessions que de plus jeunes n’ont pas encore faites et
leur signifie amèrement. A l’évidence, une ravine plus profonde que les autres se creuse, et il y a donc des blessures de l’âme : nos héros dévoilent leurs faiblesses dans chaque confrontation, désirant comprendre là où leurs certitudes tombent, où les règles qui les relient aux autres changent.

Le film déstructure ce qui anime les gentils, les généreux. Leur statut social acquis dans la bataille prolétaire n’est plus reconnu par le monde dans lequel ils vivent. Mais c’est bien là la nécessaire expérience de la remise en question, du réapprentissage du monde avant de se relancer. Cette déconstruction qui nous est donnée à voir est aussi savoureusement composée par Robert Guédiguian qu’indispensable à la reconstruction ultime de notre couple : l’humilité retrouvée, la certitude d’un nouveau choix assumé.

Coté inspiration, là où le poème de Victor Hugo, Les Pauvres Gens, décrit l’âpre réalité d’une famille de marins, le maître transforme l’histoire en conte sans dénaturer le propos. Comment ? Par le contre-pied. Dans la vraie vie, il est aussi improbable qu’inutile de prendre soin du voleur et de sa famille qu’on a au préalable accusé : on ne peut accabler et avoir de la sollicitude sinon on s’y perd. Et là, le scénario prend le principe à rebrousse poil, un ressort génial pour basculer dans la fable en déclarant la bonté comme l’issue propre aux histoires des généreux. Cassez son jouet à un gentil, il le construit à nouveau, différent, pour continuer à jouer avec, voire vous le prêter. Il fallait oser.

Et il faut être Guédiguian pour s’autoriser et réussir ce double salto, pour nous y emmener en sautillant presque, et on tremble de toutes les hésitations, comme on tremble pour le tiramisu (va-t-il lui aussi chuté ?) de Marilyne Canto admirable en sœur effondrée. Ce film nous parle, le Kilimandjaro est loin, le contentement étant plus proche qu’on ne le croit.

Sortie nationale le 15 novembre 2011.

                          

L’avis de Mysterarts

Comme par le passé, avec les scénarios du Truman Show et de Bienvenue à Gattaca, Andrew Niccol base son film sur une excellente idée de départ, puisée dans l’univers passionnant de l’anticipation. Dans Time Out, le monde n’est pas très différent du nôtre, si ce n’est que le temps a remplacé l’argent. Génétiquement, les gens ne vieillissent plus à partir de 25 ans : une fois cet âge atteint, il ne leur reste plus qu’une année à vivre. Heureusement, les salaires sont reversés en temps de vie, tandis que les achats sont effectués en donnant de son temps. À la fois porte-monnaie et compte à rebours avant la mort programmée, un compteur affiche en temps réel sur l’avant bras de tous, ce qu’il leur reste à dépenser.

Une idée forte donc, présentée avec brio dans les premières minutes du film. On entre tout de suite dans cet univers et on comprend rapidement toutes les conséquences qu’un tel système entraînent. Ainsi, la mère du héros de 28 ans, vit depuis 50 ans, mais tous deux ont l’air d’en avoir 25. D’ailleurs, à part les plus jeunes, tout le monde a 25 ans ! De quoi redistribuer les cartes des archétypes de personnages…

Mais quel que soit l’unité monétaire choisie par l’homme, il se débrouille toujours pour creuser les écarts et entretenir quelques nantis au dépend de la masse. La ville est maintenant séparée en zones : New Greenwich pour les très riches dont les compteurs affichent des centaines d’années de vie et la promesse d’une vie éternelle, et les ghettos où les habitants n’ont jamais plus d’une journée sur eux, les obligeant à trouver sans cesse des petits boulots pour survivre ou se retrouver contraint à voler ou mendier. Il n’est pas rare de tomber sur un cadavre au coin d’une rue, mort ruiné.

Will Salas fait bien entendu parti de cette seconde catégorie. Et le destin ne va pas le ménager : accusé à tord d’un meurtre, il va se retrouver embarqué dans une histoire impliquant voyous du ghetto, richissime patron et sa fille paumée ou encore gardiens du temps (la police). Devenu véritable Robin des bois des temps modernes (et précieux), il va chercher à faire bouger le système bien établi.

Hélas, les nombreuses pensées philosophiques que cet excellent pitch de départ auraient pu amener ne sont qu’effleurées. Le film ne va pas assez loin, se contentant une fois le décor posé, d’enchaîner les scènes un peu trop classiques du thriller ou du film d’action. La vision très manichéenne de ce monde y est pour quelque chose et on regrette qu’il ne nous offre pas un peu plus de réflexion.

Néanmoins, le film s’avère efficace. Le casting, forcément très jeune, est plutôt énergique. Pas de performance exceptionnelle mais les acteurs sont crédibles, même le petit nouveau : Justin Timberlake qui assure dans le premier rôle. On notera les costumes de Colleen Atwood, costumière de Tim Burton et les décors tout en subtilité, mélange rétro-moderne réussi de Roger Deakins, directeur photo des frères Coen. Au final, j’ai adoré plonger dans cette vision d’un futur proche et je ne me suis pas ennuyé dans le scénario plutôt haletant qui y prend place. Et tant pis pour les réflexions philosophiques, j’ai la chance d’avoir tout le temps devant moi pour y penser après !